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임선이 작가론 - 흔들리는 눈으로 바라본 풍경 / 배명지 _ 코리아나미술관 책임 큐레이터

imsuniy — Fri, 02 Dec 2011 21:57:30 +0900

임선이 작가론 - 흔들리는 눈으로 바라본 풍경

임선이는 2000년대 이후 인간의 흔들리고 불안한 시선과 그러한 시선이 인식하고 지각하는 독특한 풍경 이미지를 사진과 오브제 등을 통해 표상해왔다. 자신의 실존적 삶에서 경험한 수많은 삶의 음영들을 시각에 체화하고 이러한 육화된 시선을 다시 대상에 투영하면서 임선이의 작업은 작가 주체-체화된 시각-이미지 풍경이라는 유기적 구도를 견지한다.

그 결과 임선이의 작업에는 인간 삶의 구조와 의미들이 적극적으로 내재화되어 있다. 초기 작업이라 할 수 있는 <도시의 은신처 Shelter>(2003)에서 작가는 회색으로 응고된 시멘트 선인장 오브제들을 통해 외부로부터 스스로를 의도적으로 단절시켜 사적 공간 내에 은신하고자 하는 현대인의 소외와 고립감을 의미화 한 바 있다. 이러한 닫힘과 은폐의 수사는 2005년 개인전 ‘갇힌-섬’으로 연장되는데, <Shelter- seascape>, <적층>, <섬의 그늘> 등에서 섬의 형상으로 커팅된 각각의 모델링은 네트워킹으로 직조된 공간 속에 존재하지만 타자와의 소통의 부재로 인해 느끼는 도시인의 내적 소외에 대한 은유이기도 하다. 어디에도 정박하지 못하고 망망대해를 부유하는 섬의 모습은 일정한 거리를 두고 서로를 응시, 견제하며 마치 개별적인 섬으로 존속하는 인간 개체들과 닮아있다.

임선이의 비교적 최근 작업인 <그들만의 세상을 기념하며>(2009)에서 역시 생존을 위해 하루하루의 일상을 힘겹게 이어가고 있는 현대인의 모습이 오버랩 된다. 몸을 한껏 움츠린 채 주위를 배회하는 검은색 고양이들의 모습을 브론즈 오브제로 제시한 이 작품에서는 주류에서 밀려나 ‘그들만의 세상’을 살아가는 소수자의 모습이 중첩되어 있다. 그러나 <도시의 은신처>과 일련의 ‘갇힌-섬’ 시리즈, 그리고 <그들만의 세상을 기념하며>등을 비롯하여 일련의 임선이 작업이 의미화 하는 지점은 소수자나 특정 인물의 실존적 삶이 아니라 소외와 결핍으로서의 인간 주체성의 근원적 차원이라 할 수 있다. 정신분석에서 주체가 형성되는 기본적인 구조가 오인에 기초한 허구이고 따라서 인간 주체는 자신의 존재와 결코 직접 만날 수 없다고 할 때, 인간이란 이미 소외의 경로를 따라 형성되기 때문이다.

임선이 작업의 또 다른 특이점은 불확실하고 가변적인 시각, 지각적 진리의 모호함, 그것이 상기하는 불안정한 인간주체를 작품의 층위에서 끊임없이 상기시키는 데 있다고 볼 수 있다. 2009년부터 2011년 사이에 제작된 <흔들리는 눈들 Trembling Eyes>, <어려운 눈 Difficult Eye>, <혼돈된 시선>등의 사진작업이 대표적인 예이다. <흔들리는 눈들>에서 작가는 하나의 대상을 10도씩 돌려서 360도 회전하며 찍은 상들을 수많은 레이어들로 겹쳐 명확하지 않은 모호한 형상을 만들어낸다. 이러한 작업방식으로 인해 정물의 이미지는 확실히 규정되지 못한 비결정적인 윤곽선으로 끊임없이 요동친다. 붉은 색과 초록색, 그리고 갈색의 꽃과 잎과 뿌리의 이미지는 제자리에 고정되지 못한 채 미세하게 흔들려 존재의 불확실성을 드러낸다. 흔들리는 면들이 중첩되어 보이는 것과 보이지 않는 것, 하나의 시간대와 또 다른 시간대가 서로 공존하고 있음을 암시한다.

임선이의 이러한 작업들은 지각의 과정이 완결되지 않은 채 계속적으로 진행되고 있음을 암시한다. ‘하나의 응시가 미완의 인식일 수 있다’라는 작가의 발언처럼 일련의 ‘흔들리는 눈’ 사진 시리즈는 임선이가 대상을 바라보는 지각의 확실성에 대해 의문을 제시한 것으로 볼 수 있다. 그에게 ‘흔들리는 눈’, ‘어려운 눈’은 바로 단순한 확실성 보다는 지각적 진리의 모호함을 선택하고 지각적 확실성에 대해 고민과 회의를 거듭한 세잔의 ‘회의의 눈’을 연상시킨다. 메를로 퐁티가 세잔의 작업에서 카메라를 통한 사진의 지각과 구별되는 육화된 시각(embodied eye), 우리가 실제로 지각하게 되는 체험된 시각을 간파하였듯이, 임선이가 명명한 흔들리는 눈으로 포착한 대상은 대상을 바라보는 작가 주체의 눈에 이미지들이 지각되는 실제 과정과 방식에 관한 것일 수 있다. 끊임없이 생성되고 요동치는 세상을 결코 시각적으로 통제 할 수 없듯이, 작가에게 있어 본다는 지각 행위는 흔들리는 눈으로 본 것과 같은, 결코 확실성을 가질 수 없는 것, 명확한 기준이 없는 것을 의미한다.

작가는 꽃이라는 대상을 화면에 이미지화 하려고 한 것이 아니라 꽃 자체가 작가의 눈에 들어오는 과정, 그것이 생성되고 움직이는 상태를 제시하려 한 것이다. 이러한 모호함, 규정되지 못하는 불명확성, 결과가 아닌 과정중의 주체, 완결이 아닌 기술의 과정 등이 임선이 작업을 관통하는 지점이며 그의 작업을 열려진 풍경으로 바라보게 하는 동인이 된다고 할 수 있다. 여기서 임선이가 주목하는 모호함은 그의 언급처럼, 부정이 아닌 진실에 더 다가선 열려진 문이다.

이러한 생성되는 과정으로서의 풍경, 모호한 지각, 흔들리는 눈에 의한 드로잉은 2007년부터 이어져 오고 있는 설치와 사진 시리즈인 <부조리한 풍경-Trifocal Sight>의 핵심이다. 임선이 작업의 대표작이라고도 할 수 있는 이 작품은 서울에 위치한 인왕산에서 출발한다. 작가가 수많은 풍경 중 인왕산을 선택한 것은 서울의 대표적인 산으로서, 대중매체나 옛 화가의 그림에 의해 머리로 익히 알고 있었던 인왕산과 거리에서 무심결에 올려다 본 인왕산 사이의 인식의 간극, 즉 사유와 지각 사이의 유사성과 차이성에 근거한 것이다.

인왕산에 대한 작가의 예술적 탐구는 지형도 오리기에서 출발한 ‘부조리한 여행’으로 명명된다. 작가가 인왕산에 접근하는 방식은 실경을 관망하는 것도 인왕산을 신체로 거닐며 실질적으로 체험하고 탐사하는 것도 아니다. 이것은 인왕산 전체를 숫자적으로 요약한 수천장의 지형도를 이리저리 탐색하고 이를 오리고 하나하나 쌓아가는 것으로 이루어진 소극적 탐사이다. 작가의 말에 따르자면 이는 여행이라는 어법에 맞지 않는 실로 ‘부조리한 여행’인 것이다.

좀더 구체적으로 인왕산을 향한 작가의 ‘부조리한 여행’에 동참해 보자. 작가는 수천장의 인왕산 지형도를 등고선을 따라 오려내는데, 그 결과 오려낸 구멍 모양의 종이와, 구멍 뚫린 종이의 두 종류로 분리된다. 수천장의 지형도를 같은 방식으로 오려내고 두 가지 종류의 종이를 층층이 겹치다보면, 하나는 수천장의 종이 덩어리로 쌓아올려진 3차원의 인왕산의 모형으로 변화되고, 또 하나는 거대한 협곡과도 같은 움푹 파진 음각의 인왕산 모형 오브제로 만들어진다. <붉은 눈으로 바라본 산수>라는 이름이 붙여지기도 한 이 두 종류의 오브제들은 인왕산의 음과 양, 실재와 그림자, 존재와 부재, 상승운동과 하강운동의 두 얼굴을 내포한다. 작가가 명명한 ‘붉은 눈’은 바로 충혈된 눈, 흔들리는 눈, 다 초점의 눈인데, <흔들리는 눈> 시리즈가 시간대가 상이한 꽃병의 서로 다른 층위를 오버랩하여 보이는 것과 보이지 않은 것을 한 화면에 중첩시켰듯이, <붉은 눈으로 바라본 산수>는 인왕산의 표피적인 외양에서는 보이지 않지만 존재하는 배후의 그림자의 형상을 중첩시켜 놓은 것과도 같다. 음형의 산의 모습에서 중첩된 부분들은 산이 시작되었을 때부터 겹겹이 쌓여온 시간의 흐름과 역사적 과정을 가시화한다. 더구나 층층이 겹쳐져 있는 섬세한 레이어들은 촉각적 지각을 불러일으키고, 산의 부분 부분을 시각적으로 면밀히 훑어가도록 유도한다.

인왕산을 중심으로 한 ‘부조리한 여행’의 하이라이트는 인왕산의 음형 산수 풍경이 사진으로 전이되는 <3초점의 시선 Trifocal Sight>에서이다. 작가는 인왕산 모형을 카메라를 통해 근경, 중경, 원경의 세 초점의 시선으로 잡아내어 음형의 인왕산 모형에서 완전한 형태변이를 이루어 내는 새로운 풍경이미지를 만들어낸다. 인공조명을 사용하여 드라마틱한 명암 효과를 준 결과 사진으로 변이된 인왕산의 모형은 움푹 파진 웅덩이나 거대한 협곡이 되기도 하고, 오래된 지층이나 수천 년 된 동굴 내부로 변화하기도 하며, 오랜 시간이 축적된 고고학적 발굴의 현장으로 탈바꿈하기도 한다. 수천 수만 배를 축소한 인왕산 지형도에서 출발한 모형 오브제이지만 사진으로 변이되면서 시각적으로 인식되는 규모는 더없이 확대되고 깊이감은 형언할 수 없을 정도로 더해진다. 실제 인왕산에서 지형도로, 산의 모형에서 사진으로 변증법적 변화를 거듭하면서 원본과는 동떨어진, 이치에 맞지 않고 비합리적인, 실로 ‘부조리한 풍경’이 탄생하는 것이다.

‘부조리하다’ 함은 상징적 어법으로 설명할 수 없다는 것을 의미한다. 부조리한 풍경은 시각예술의 표상의 차원에서 말하지만, 상징계적 시선, 사유(思惟)로서의 시선으로 바라본 풍경이 아님을 의미한다. 즉 대상 세계와 자신을 분리하는 가운데 세계에 질서를 부여하고 통제를 시도하는 원근법적 시선으로 바라본 풍경이 아니라는 것이다. 원근법적 시선이 초월적 주체를 상정하고 어떠한 상황에서도 흔들리지 않는 동일한 시각, 추상화된 시선이라면, 임선이가 외부 대상과 풍경을 바라보는 시각은 그의 작업세계를 관통하는 ‘Trifocal Sight' '흔들리는 시선,’ ‘어려운 시선’이다. 즉 사물과 세계를 대상화하고 지배하고 소유하는 시선이 아니라 신체적 경험과 결부된 체험되고 육화된 시선이며 자신의 감각의 혼란을 받아들이는 열린 시선이다. 이는 머리에서 미리 지정된 고착화된 시각이 아니라 자신의 신체 경험과 변화하는 삶의 양태들을 모두 포함한, 시시각각 변화하는 간(間) 시선이다. 이러한 시선으로 바라본 풍경과 대상은 하나의 개별화된 덩어리나 윤곽이 아니라 그 속의 다양한 여러 질적 차이들과 변수, 변화하는 양태로서 드러난다. <흔들리는 시각들>이나 <어려운 시각>에서 미세하게 요동하는 정물이미지, <부조리한 풍경-Trifocal Sight>에서 수많은 레이어들로 중첩된 인왕산 풍경이 바로 그것이다. 이러한 형태들이 시간의 과정과 흐름 속에서 계속적으로 변해가는 추이를 보여주는 것도 바로 이러한 시선 때문이다.

임선이 작업은 인간의 근원적인 소외와 결여를 내면화하고, 개인적 사회적 의미가 개입된 흔들리는 시선을 통한 결과물이라는 점에서 의미 있다. 그의 작업은 산과 꽃과 같은 대상 자체에 집중하는 것이 아니라, 눈으로 지각되지 않지만 존재하는 미세한 움직임, 그 내부에서 시시각각으로 ‘변화’하고 ‘생성’되는 ‘과정’으로서의 모습에 주목한다. 작가는 실재계의 그것과도 같이 모호하고 이해될 수 없고 부조리 하지만, 엄연히 존재하는 그 무엇을 작업을 통해 보여 주고자 한다. 임선이의 열린 풍경에 끌리게 되는 것은 완결적이지 않고 상실과 소외, 끊임없는 흔들림과 동요를 내포한 우리의 모습, 우리의 시선을 마주하기 때문이다.

배명지 _ 코리아나미술관 책임 큐레이터

1972년 출생. 홍익대학교 예술학과 졸업 및 동대학원 미술사학과 박사과정 수료. 주요 전시로는 <Show Me Your Hair>, <Featuring Cinema>, <Artist's Body>, <Cross Animate>등이 있다. 2006년 책임 기획한 <이미지 극장>전이 ‘올해의 예술상’(코리아나미술관 수상, 한국문화예술위원회)을 수상하였다. 현재 코리아나미술관 책임 큐레이터로 재직중이다.

경인일보

imsuniy — Sun, 16 Oct 2011 05:08:01 +0900

trembling eyes

imsuniy — Tue, 04 Jan 2011 16:51:55 +0900

본 작업은 눈으로 지각해 각인된 인식에 관한 의문에서 출발하며 보는 방법의 차이에 관한 경험의 담화이다. 주변의 오브제로부터 시작된 이번 작업은 꽃이라는 대상을 선택해 그것을 어떻게 지각하는 냐에 따라 그 대상 너머로 낯선 사건이 펼쳐지는데 주목한다.

하나의 응시를 통해 보이는 단편적인 이미지들은 사물과 그것의 성격을 규정짓는 또는 사건을 결정하는 단서가 된다. 그것은 마치 사물의 총론화된 이야기로 결론지어지지만 이것은 단지 하나의 응시가 미완의 인식 일수 있으며 자칫 단편적인 선들이 가지는 포장된 의식일 수 있다.

이번 작업은 사물을 360도로 회전하여 수평적으로 찍힌 상들이 레이어로 겹쳐져 모호한 형상을 이루는데, 하나의 대상이 여러 각도에서 읽혀지는 생김새가 또 다른 그것의 완전한 사건 됨을 알려준다. 완전함을 보여주는 것 그러나 우리의 지각에서는 그것이 모호함으로 결론지어지나 그것은 진실이다.모호함은 보이지 않는 어떤 움직임의 기류가 닿듯이 그리고 흔적이나 채취 속에서 느껴지는 기억과도 같이 사건의 진실로 연결되는 것이다. 단편적인 것 파괴된 시선은 독살의 흔적으로 보이지만 그것은 새로운 기류의 생명의 움직임으로 보여진다.

기준이 되는 것들은 우리가 모르는 사이 강요에 의해 상식이 되어버리지만 이는 사건의 전말을 파악하지 못한 우리가 갖는 오류이다. 모호함의 기류는 사실을 제시하고 진실에 더 다가선 열려져 있는 문이다. 모함에 의해 버려진 시선들에 대한 가능성의 탐험이 이번 작업의 목적이다.

The Describing Scape / Artist Statement

imsuniy — Wed, 18 Aug 2010 02:09:52 +0900

The Describing Scape

There are many species forming city scape. One specie pretends to be an owner and expels other species, and the expelled is ousted to the back alley of the city, is parasitized on there without a word, and lives to survive forming scape like a hidden picture. This group continues to make a social class and to be sacrificial victim of the class within same species. There are two columns in this exhibition. One is a story about the expelled species which is tamed to survive out of the city. The other is about the difficult eye to see nature materialized by the species.

The world they live is our scape where we can't see it well. They roam around the city to live and look for food with minimum motion and sound like a camouflaged soldier on the battle field. When they are dead on the street, as possible, they are not allowed to scream loudly except a short cry. The way they live is to proliferate their numbers infinitely and to preserve the back alley invisibly. Fossilized by passing of the time, they stray with same face and same look as one. For them, there is no right to be sad or happy. What they have is the face with vigilance and survival. Their habits are like an old relic covered with rust of the time.

I arrange an occasion to celebrate their own world for them who occupy without anyone's ornamental phrase right away and secretly. The difficult eye is the way they see things, and it is an image of the original object and a multi-dimensional view rotated at a 10-degree angle and photographed it. And also, it captures the images seen in many different ways as a flat image. The captured image becomes image without outline. The missing images of outline are an appearance by another way of seeing, and the overlapped, flat, spacial flow without outline. The species with different eye has difficult eye.

Artistic Work as Existence / Koh, Won-seok (Curator, Gallery Space)

imsuniy — Wed, 18 Aug 2010 02:08:45 +0900

Artistic Work as Existence

Koh, Won-seok (Curator, Gallery Space)

Im, Sun-yi has her own distinct personality as an artist. This doesn't refer to personal basis as her speech or air. Rather, her personality means that she is connected with existent life and reveals an association with several emotion from her experience through her works in-depth. Various strands in her works show a true side of obscure expectation and confusion, disorderly trail and error and repetitive uncertainty of daily life, not visualization of organized conceptual frame clearly and exquisitely.

This is a critical key to understand her works with consistency from the beginning of her career until now. When Im was at university, she connected and arranged pipeline placed on an indoor wall with other pipes nearby, and built a kind of transformed scape at Art Factory Project, in 2000. Certain objects seemed probable within real scape are transformed and inverted intentionally, and they become another scape with resemblance to the original certainly. Once she said, almost viewers passed her works by without knowing whether those are artistic work or not. This anecdote means that she has controlled intervention of other elements to visualize her intention.

She held her first solo exhibition at Do Art Gallery in 2003. The exhibition was different from other young artists' scanty solo exhibitions with repetitive, replicated ideas. Harmonizing with cement floor of the hall, the cactuses made of cement led the exhibition's air. She made the objects be placed on the space without any stimulation, and created a new scape joined with the objects naturally. The objects themselves include artificiality, even negative feeling, nevertheless they has something intense which makes us believe that they have been in the original scape harmoniously. The ability of observation everything with attribute of material in daily life we pass by and of domination over ambience in the hall by minimum scale speaks for her special artistic gift.

She has continued a series work with intervention to the scape since then. Thinking that most of scenes in daily life are romanticized intentionally, she found distorted, stereotyped scape from the TV monitor broadcasted the national anthem. She felt doubt that the result of violent act that natural scape considered beautiful thing normally is processed a sort of utopian background and familiar thing come from the experienced actually makes us accept the processed scape as a true scape missing a certain criteria and viewpoint.

However, her stance about intervention to this distortion is not clear. She is keeping the distant from both extremes, denial and scepticism, and agreement and assimilation. What she pays attention is a cognitive situation making them romanticize, not a criticism according to result for this tendency. This means that she has focused on the issue about cognition and viewpoint looking at the scape, rather than the scape as a result of continued act.

Recent series work titled Trifocal Sight can be understood according to same context as well. Mt. Inwang is centrally located in Seoul, so it is a typical example of familiar scape with everyone. Although, few people in Seoul have a chance to experience the mountain, and it remains an existence in idea. By accident, Im watched for the form of the mountain and made up her mind to reinterpret it considered a nominal mountain. After taking off a certain form of frame by scaling the contour map of Mt. Inwang, she acquires the mass of delicate form by cutting the contour line. And then negative scape from the rest of the space burrowed down beneath the form is found. She tries to achieve multi-dimensional materialization of the object by using the subject matter, contour which is analyzed and embodied by system of symbolism, as a medium with materiality.

She said, she has paid attention to existent things as an unmatched image with scape of the world existent things unnaturally. Although the cement cactus is not unpleasant to the eye, it is pretended to be a living green cactus and is quitely parasitic on the scape with breakable dry condition. Needlework on the floral pattered wallpaper or boring the holes into floor paper is the same with that. She confesses that she found herself doing something alone out of the trendy movement in fellow group as entering school more late than people of the same age.

As I mentioned above, she focuses on the issue of contemplative view about circumstance, not her own response to the situation. Perhaps, the view she expresses is a kind of illusion. It is not clear that she tries to conceal herself or reveal by the illusion. And also, this doesn't need to specific definition. This obscurity is an important element forming her real existence. According to an absolute law, the world is not un changeable as it is. The world is relatively changeable according to a subject's eye. Now, the attention is paid to her who realizes the objects, not to the objects materialized by her. At last, we can meet her own world embodied by her life as an artist's life.

There are no predictable circumstances with firmed, exquisite rule and criteria. Living things always feel anxiety, repeat wandering, and stand on the incompatible extreme point with restlessness. Based on the interview with her, I guess she would aim for an artist with confirmed, organized view as an ideal model. If my guess is right, I would talk to her that she who has continued the artistic work doesn't need to assign herself a strict task. Because something undistinguished can become a certain phenomenon in her life finally, and, from a wilder point of view, a part of her works as it is. To live as an artist is to perform his/her vocation.

Trifocal Sight / Artist Statement

imsuniy — Wed, 18 Aug 2010 02:07:18 +0900

Trifocal Sight, or gaze with three focal points, signifies the neurotic, unstable gaze or contemporary humans and also a metaphoric type of disorder caused by the multiple, simultaneous processing of close range, middle, and distant views. The gaze amidst chaos is waste of an act and secondary sensory process toward the complex surrounding sights.

Trifocal Sight-dimensional images undergo distortion through a gaze placed on the surrounding scenes, which is none other than the landscape of our present times defined in Sight.

As an extension of the Landscape Seen Through Red Eyes series, my next work will involve drawings that present a new interpretation of the images I gathered after observing my surroundings, the act of seeing aspects of contemporary society through visual perception, and the capturing of landscapes through trifocal sight

I make urban landscape into models after cutting a few thousands of topographical maps. After then, I create new landscape images by capturing them from clos range, middle, and distant views. Through my arduous, persistent labor cutting several thousands pieces of paper, each. contour becomes a two-dimensional sigh. That becomes the accumulation of natural lines, forming a natural scene in an ambiguous connection.

Absurd Sight : Trifocal Sight

imsuniy — Wed, 18 Aug 2010 01:37:36 +0900

Absurd Sight : Trifocal Sight

By Nayoung Jung, Curator SOMA Museum of Art

Suniy Im narrates the life of contemporary humans who ceaselessly undergo identity confusion and psychological conflicts between nature and an artificial(civilized)state. She is also concerned with the difference between what she sees and what is seen by others. In her pieces titled The shelter and An Isolated Island, the artist presents unfamiliar, disquieting sights by putting objets made form the combination of natural subject matter and artificial materials into an urban space. This work reminds viewers of some of the desperate situations of contemporary people, such as isolation and separation, leading them to such psychological states. The sense of emotional homogeneity we perceive enables us to communicate through her work. In the process of her mental efforts which have demanded her concentration and physical labor that have been mechanically repeated, the artist presents an exploration of her identity and her attempts to solve there conflicts, Im's An Absurd Journey is in an extension of such work.

The destination of her journey is Inwang Mountain. Why is it Mt. Inwang? Inwang is a symbolic mountain centered in Seoul. It stands in nature while coexisting within a metropolis, which has led Im to choose it as her subject matter, Im's travels to Mt. Inwang begin from the impression and surprise she felt when the mountain she has in her mind overlaps with the image of the mountain she sees form the street. Her traveling method is quite unique. Im frist explores the shape of the mountain through a topographical map made by putting various maps of reduced scale together. The next step of her journey is the cutting and accumulating of paper. In addition, her journey is recorded through the act of taking photographs, thus bringing new aspects and changes. All the processes of her journey are symbolically represented: for example, the red lines on the map signify her inflamed eye brought about by fatigue of her travels. Im's metaphorical methods are strangely persuasive as to convey meaning when we compare our own lives to a journey.

Upon closer examination, An Absurd Journey beings after mathematical and geographical exploration through the reduced scales of topographical maps. When cutting along the contours, we eventually get two divided parts: a large square paper with a hole in it and the resulting piece of hole-shaped paper. After cutting thousands of pieces of paper in the same way, centering them, and piling them up, two divided three-dimensional objects, one of concave and convex, are formed. Put

together, the two make up a heap of heap of square paper: one is mountain-shaped while the other is the negative space of the mountain, a reversed canyon-shape, not in the typical mountain from. We stare at each layer of paper in this work called Landscape Seen Through Red Eyes. Achromatic or monochrome objects make viewers focus on the act of seeing itself. These objects trigger our sense of vision to perceive all sorts of minute protrusions. Through the photographic element of Im's work, the exploration of sight is reborn.

What are after the last phase of An Absurd Journey are more distorted, absured landscapes. In Trifocal Sight, Im simultaneously captures a close range view, a middle distance view, and a middle distance view, and a distant view, like eyeglasses that artificially correct the function of the eye, The treatment of trifocal sight brings about an extremely awkward, two-dimensional feel. The artist underlines the shape of a deep valley by giving the stark contrast of light and shade, using artificial lighting. Its details fill the entire canvas and are printed in a larger scale than reality. The sense of distance is minimized, the sense of depth is amplified, and the scale doubled, thereby evoking a dramatic effect. Through this process, the sight of a modem city reduced to completely new image.

Im's work brings about a filtering effect of perception through the changes from there dimensional reality(real mountain) to two dimensional objects(topographical maps)and from three dimensional models(mountain and valley models) to two dimensional photographic(landscape photographic). As a result, Im's work remains farther away from reality and indistinctive in its special quality. Instead, that becomes an open landscape that unfolds an unknown world for all viewers. Through An Absurd Journey, the artist intends to communicate whit an external world. opening up the possibility of diverse interpretations by admitting and allowing the difference between what we see and what is seen. Like this, Im's work brings changes to our perception through an incessant chaos, defining modern scenes. Drawings seen through swaying eyes show Im's unique work methods with which aspects of contemporary society seen through contemporary people's uncertain, variable eyes are metaphorically represented. I wonder what landscape unfold in her following work being captured by her perception and sight.

The absurd Journey / Kim, Eun-jung (Art Management/Art Consultant)

imsuniy — Wed, 18 Aug 2010 01:31:52 +0900

The absurd Journey

Kim, Eun-jung (Art Management/Art Consultant)

Artist Im, Sun-yi holds her third exhibition with series work called The absurd Journey. She was selected by the national art studio in Chang-dong, Seoul as a member of 5th period in 2006-2007, and joined the invitation exhibition held at Songeun Arts and Cultural Foundation in 2006 and the temporary exhibition titled Selected Emerging Artists held at Seoul Museum of Art the same year. As the above-written, she is working as an outstanding artist of ability.

Viewers can notice her own unique tone in her works which resemble herself with familiarity and comfort, because all qualifications such as matters from nature, colorlessness, repeatability with freshness, and delicacy involve her works. The extreme understate mental conflict of artist's deep inner world is refined and appears in the works. She finds her identity, reveals mental conflict intermittently as floating on the open sea alone, and makes the circumstances communicate with others by creating the works. Burden from tired life of people in the rapidly changing modern city, absence of identity, and mental conflict made of them are expressed into topographic condition of island as isolation and uniqueness metaphorically in her previous series works. In her first solo exhibition titled shelter at Do Art gallery, Seoul, she represented and projected viewpoint toward variable outer circumstance, changing cognitive difference, and images of city dwellers living in modern urban civilization watched by Im on this exhibition. Cactus used as a motif of her own interpretation and new expression way is placed on the floor like another being which is deprived of green and made of rough, colorless cement. This is the artist's contemplative view on the reality toward metaphoric, emotional meaning, and a process of realization about the way of finding herself. Alleviating mental conflict by collective, mechanical, repetitive work, and concentration from a process of detailed casting are chosen as a way to solve the problem of conflict which is not faced on her.

She makes the issues and the approach about them that she has searched for more implicative, deeper and wider in this solo exhibition. Seeing and the seen. Journey gives us new expectation and romance. She takes journey as a text with delicate form reflecting the artist's realization by nature which embraces difference and strangeness in new surroundings. Achievement of the journey depends on likes and dislikes about emotional response forming a process of realization. Imprinted circumstance by stereotype and conflict generated from difference of interpretation's view willing to see the circumstance are comprised in communication as a possibility actively. She tries to ask about notion, especially, structural difference of thoughts, and arouse the boundary point to new viewpoint.

Im tells about first literal definition of the word absurd, but also symbolism of the other meaning of the word. The visual, symbolic message is visualized to mountain scape as a cradle of life and collection of nature. Mountains are the place of oppositional coexistence; seeing and the seen, and the civilized and the wild. And they are variable scape which changes natural color and living things according to the season. Observation and change of the realization on the scape, and our life with it are reflected on the works deeply and emotionally.

Thousands of topographic map of Mt. Inwang printed by red color is piled on a large square mass in Natural Scenery Through Red Eyes. Remodeling work to cut the contour of the map creates a new complex scape. One of our natural surroundings, Mt. Inwang is chosen as a double link which has accessibility and visuality. Red color is represented Im's eyes. The inflamed eyes become an indicator of communication derived from difference of view about seeing and the seen.

Structural form of the mountain is seen at a lookdown in Climb and See, and shading of piled contour is maximized according to view point in Natural Scenery Through Red Eyes. This is for creating two narratives to generate another space in the exhibition hall. Visual change by repetitive approaching and retreating, and infinite imagination from process like this make viewers concentrate spacial experience actively. In series work Natural Scenery Through Red Eyes, the photograph by Lamda printer which shows closed-up certain part lets us create an illusion as if we're travelling somewhere around deep canyon. Looking at the photograph on the exhibition wall, viewers pay attention to the work installed the floor naturally. However, Im excludes correlation of the photograph with the installed work. Suggestion of thought with objective, understate formal structure is generated without emotional effect exquisitely. Change of curve according to width of contour evokes another visual excitement. The scape in the photograph can be another scape imagined by viewers.

Im makes viewers imagine virtual reality which is seen, but not existent rather than somewhere they are familiar with or imprinted natural scape where they never have been. The possibility of multilateral, approachable, interpretative method of seeing by the seen and overlapping existence of real scape on artificial, imaginary scape through the process has it's openness. This is an experimental mind to make us present, look at ourselves and communicate with each other. She wants to make us look at her works with eyes of difference of variable realization, but also with eyes of simple, understate description and suggestion of symbolic meaning, because the journey she wants to have means to achieve the diversification of living scape.

Dark Sea of one pyeong / Artist Statement

imsuniy — Wed, 18 Aug 2010 01:30:28 +0900

Dark Sea of one pyeong

Small-sized space called one pyeong is the earth which I lean my life on. People living in this land try to fix their eyes of oblivion without focus dreaming of mountains and sea. All expectations they had are concerned about itself and have a dream in confined small-sized space. I put my gaze into a vague stillness waiting for coming of night and dawn. Living in the city, I receive the scape of the world standing on the earth, one pyeong. The scape is romanticized and has an eye of longing being trapped in a monitor. Where I never have been, but I seem to have been...

I use the sea scape as a subject matter with island appearing on TV at the break of day awaking the city in this work.

Natural scape was a spiritual world with authenticity of nature as it is and truth of greatness, on the other hand, city scape is only pixel and color with showy image romanticized and imprinted on our mind before we are aware through the mass media. Although we never have been there, we are not conscious of there because of it's commonness.

Primarily, I finished numerical geologic exploration by scale of topographic map (modeling work by scale of topographic map as we had learned at geography class in middle and high school), and I made small-sized dark mountains and sea.

Flat, brilliant gradation of asian-ink is an expression of wildness and fluidness, on the other hand the gradation in Dark Sea of One Pyeong excludes brilliant tone of asian-ink and makes it pixel gradually. The pixelized island is the same with a few of words from the tongue of an empty schemer. This is the body of the first person from his view point, and the path of scape of people in the city like a present state of the body.

The Island Confined / Artist Statement

imsuniy — Wed, 18 Aug 2010 01:29:06 +0900

Artist Statement

The Island Confined

We feel stillness and silence in the modern city with complexity and splendor. This is not absence of sound or motion, but unbalanced movement from a point in distant, deep sea with closure and concealment.

As the flow of the seabed prevents us screaming and waving, an arbitrary closure and concealment let us build an island on our mind. Energy of the word, island has meanings of closure, absence and concealment. The unmoved images of island placed on a horizontal point of the sea resemble us, modern people in the city.

They are found on the TV monitor and through the TV sound awaking the city around dawn. Perhaps, scape of the island and the sea came out with the national anthem from TV is a portrait of ourselves.

Romanticized images of sunrise's ruddy light and splendid sea extremely are coming to our scape. The images become our images which stretch out the city out of the TV monitor trapped in pretence. We and light from the monitor awaking the city look at each other in a small room, and the island becomes image and scape of ours.

As an image of island, modern people are placed on the sea, that is city in stillness. They are floating on the sea with image of island being located on stillness and abyss of the sea.

The title The Island Confined in this exhibition is a phenomenal selection from the urban system maintaining island of ourselves by having an effect each other by force, and I try to reveal one side of our images by using the images.

The Stuffed Wildness - Shelter in the City / Lee, Eun-ju (Art History)

imsuniy — Wed, 18 Aug 2010 01:27:30 +0900

The Stuffed Wildness - Shelter in the City

Lee, Eun-ju (Art History)

A cactus made of cement in artist Im, Sun-yi's studio attracts the visitor's attention. It's form stands still like a scene from monochrome picture. It looks like a specimen in botanical garden. Motif such as ornamental plant, floral wallpaper, folding screen embroidered with butterflies in Im's works is the image to be found in standardized urban daily life. We don't need to have a critical mind on the materials in the works, because they are very close to our life. But, impression from a stuffed, ash-colored cactus is not casual at all. Rather, it is have a strong impact to reverse the unmoved life.

In the previous series work called finding the hidden picture, Im inserted images she made into a scene from urban-scape such as electricity line or gas pipe on cement wall, cover for a women magazine, and transformed it remarkably. This looks like an ordinary, common thing at first sight, but there is a subtle cutoff breaking the daily life and it takes a part as comma on ordinary visual circumstance in the work. In this exhibition bringing up the subject shelter, Im's works lead viewers to use their daily circumstance, to see and interpret the hidden meaning of it.

Shelter means an usual, private space preserving us from outer space. Sehando(winter scene) used as a motif in her work symbolizes a private space isolated from the outer. The original intention of Sehando is solitude as inner reflect, and the meaning on aseity's self-image is converted to the metaphor as social, cultural isolation in the context of ornamental plant, cheap floral wallpaper, folding screen embroidered with butterflies. The isolation in this work connotes double meaning with self-safety device and disassociation from it. Especially, she remarks about identity of urbanite in private space through the intention as isolation from nature.

From Adam's leather clothes to modern apartment town, tools of human civilization have developed to protect human from natural threats. Our habitation surrounded by square concrete wall is a substantial shelter preventing the outer from intruding and an extreme artificial space castrated natural wildness. City dwellers in the shelter are protected, but, in fact, they build an artificial rampart to grow further apart with natural conditions of human nature by isolation from natural energy. In the middle zone between mental fear to violence of nature and homing instinct to natural life, urbanites fill their space with stuffed, coded, fake natural objects instead of natural circumstance filled with wildness. The artist's work reminds us a basic dilemma like this modern life symbolized as pet, ornamental plant, floral wallpaper, and insecticide.

Im never agrees or disagrees with our unstable balance on the obscure border between the natural and the artificial. She just reveals the subtle state of equilibrium. Image of artificialized nature, minimum openness to the outer space and covert gaze to the inner space are crossing each other in the form of Sehando pierced by pin or icon of asian paintings cut out like a digital cell. The boundary line between the inner and the outer space, nature and human placed on her work imply existent condition of modern people. It seems that she expresses our ironic image expanding personal space according to natural law, as the law of survival of the fittest is artificialized nature like a cement cactus, although all things become artificial circumstance. However, her tone involves some kind of an affectionate sympathy without cynic. There is no doubt that she knows, in fact, hygienics in modern civilization denying aging and decomposition and taking something new is the sign of weakness of ourselves.

미술세계 2010년 3월호

imsuniy — Sat, 05 Jun 2010 16:02:37 +0900

미술세계 2010년 3월호

목차

049 Editorial 미술세계 논평

이 봄에 꽃피면…│김상철

050 Issue & People 이슈 앤 피플│편집부

056 미술세계 뉴스│편집부

Artist

058 Cover Artist 표지작가 박승모│김종길

066 Artist 아티스트 임근우│김윤섭

070김경주│서성록

Special Feature

074 Special Feature 특집 21세기의 색채 미디어아트

Art & Culture

100 Exhibition 전시 현대회화-수묵에 길을 묻다展 │한혜정

104대만현대미술展│최유진

108그림에도 불구하고展│한혜정

110 Artist In 작가人 임선이│최유진

112 Artist In 작가人 박은선│최유진

114 Out of Museum 아웃 오브 뮤지엄 로저딘展│주혜진

116 The Journey of British Museum & Gallery 영국미술관기행│주하영

122 Theme in Contemporary Art 테마로 보는 현대미술 16│이은화

126 Nice to Meet You 만나고 싶었습니다배혜경│주혜진

130Short Essay 붓을 드는 그대에게 45│김상철

132Art in Life 아트인라이프 책상 위의 갤러리, 북아트│이지현

138 Space 공간 4.19 국립묘지│김상철

144 Piece of Time 시간편린

Gallery in Magazine

146 Gallery in Magazine 지상갤러리

Art Tiding

168 World Topic 해외미술 영국, 프랑스, 독일, 일본

176 Review 다시보기

186 Preview 미리보기

190 Make U Up 화장도 미술이다 11│이정현

192 Art Market Report 미술시장 리포트

194 Art Channel 미술계 동향

200 Regional News 지역미술

202 Culture News 문화계 소식

204 Art & Books 신간안내

206 Exhibition Guide 전시가이드

212 Postscripts 편집후기

진중권님의 글중

imsuniy — Fri, 28 May 2010 02:47:58 +0900

"기술하는 풍경" 작업노트

imsuniy — Tue, 05 Jan 2010 06:39:13 +0900

기술하는 풍경

도시의 풍경을 구성하고 살아가는 종들은 다양하다. 어떤 종은 이 도시의 주인인양 들어내고 과시하며 다른 종들을 밀어내고 이렇게 밀려난 또 다른 종은 도시의 뒷골목으로 밀려나 조용히 기생하며 숨은 그림인양 한풍경만을 이루고 생존만을 위해 존재한다. 이런 무리들은 종 내에서도 계속 계급화 되며 점점 희생되어 진다. 이번 전시의 축은 두가지로 나눌 수 있다. 하나는 이 도시에서 밀려나 살아가기만을 위해 길들여진 종과 그들을 통해 사물화 된 자연을 바라보는 어려운 눈에 대한 이야기다.

그들이 사는 세상은 우리의 풍경이지만 잘 보이지 않는 풍경이다. 그들이 생존하기 위해 도시를 배회할 때도 야전장의 위장한 군인처럼 근육을 수축시키고 움츠리며 소리내지 않고 눈에 띄지 않아야 하며 살기위해 먹을 음식을 찾아다닐 때도 될 수 있으면 움직임이 보이지 않아야 한다. 도로에서 생을 마감할 때도 될 수 있으면 여러소리를 내지 않고 외마디의 짦은 비명으로 생을 마감해야 한다. 그들이 살아가는 방법은 개체수의 무한증식과 보이지 않게 뒷골목을 지키는 일이다. 오래되어 고착되고 하나같이 똑같은 얼굴을 하고 똑같은 모습을 하고 어슬렁거리며 배회한다. 그들에겐 슬퍼할 기뻐할 권리는 없다. 단지 경계해야하고 살아남아야 할 얼굴만을 가지고 있다. 그들의 습성은 오래되거나 시간이 묻어난 녹이 든 유물과도 같다. 그들만의 세상을 위해 기념하며 그 누구의 장식된 어구 없이 올곧이 슬며시

점유하는 그들만의 자리를 만들었다. Difficult eye는 그들이 사물을 보는 방식인데 360도에서 본 대상의 이미지이며 10도씩 돌려서 찍어낸 입체적 시선이다. 이것은 여러 방향의 모습을 하나의 평면의 상으로 가두고 있다. 가둔 형상은 윤곽이 없어지고 이미지만을 남긴다. 잃어버린 윤곽의 이미지들, 그것은 또 다른 바라보기의 방식에 의한 모습이며 그것들을 윤곽으로 규정짓지 않고 중첩된 평면 공간의 흐름이 된다. 다른 눈을 가진 종들은 Difficult eye을 가지고 있다.

존재로서의 ‘작업’ / 고원석 (공간화랑 큐레이터)

imsuniy — Sun, 09 Aug 2009 03:50:54 +0900

존재로서의 ‘작업’

고원석 (공간화랑 큐레이터)

임선이는 작가로서의 분명한 개성을 가지고 있다. 그것은 화법이나 분위기와 같이 개인적인 차원의 것은 아니다. 그 개성은 임선이가 자신의 실존적 삶과 유리되지 않고, 삶 속에서 경험한 여러 감정들이 밀도 높게 결합된 작품들을 보여주는 작가라는 것이다. 그의 작품에서 드러나는 여러 요소들은 그가 명확하게 정리된 개념적 프레임을 정교하게 구현하기보다 모호한 기대와 혼란, 어지러운 시행착오가 반복되는 일상의 불투명함을 있는 그대로 담아내고 있음을 보여준다.

임선이의 그러한 특징은 초기부터 지금까지 일관된 특성을 유지하고 있는 그의 작품들을 이해하는 중요한 열쇠가 될 수 있다. 학부에 재학중이던 2000년, 공장미술제에서 그는 실내 벽면에 원래 존재했던 파이프라인 주변에 비슷한 파이프들을 연결, 배치하여 일종의 변형된 풍경을 구축하였다. 실재하는 풍경 속에 있음직한 어떤 오브제들을 의도적으로 변형시키거나 도치시켜, 원형과 크게 달라보이지는 않지만 분명히 다른 풍경을 만들어낸 것이다. 관람자들이 대부분 작품인줄 모르고 지나쳤다는 그의 웃음 섞인 말은 그가 예전부터 자신의 의도를 구현하기 위해 다른 요소들의 개입을 철저히 차단할 줄 아는 작가였음을 암시하고 있는 것 같다.

2003년 두아트 갤러리에서 임선이는 첫 개인전을 열었다. 다양한 종류의 작품군을 충실하게 준비한 그의 전시는 일부 젊은 작가들이 한 두 가지 아이디어를 반복 생산하거나 복제하여 구성한 개인전의 빈약함과 분명한 대조를 이루는 것이었다. 이 전시에서 선보였던 시멘트 선인장들은 날 것의 느낌이 나는 전시장의 시멘트 바닥과 조화를 이루며 전체 분위기를 주도했다. 전시장이라는 환경에 자극 없이 존재하는 어떤 오브제를 만들어 놓고, 그 오브제와 자연스럽게 합쳐진 새로운 풍경을 다시 만든 것이다. 오브제 자체는 인위적이거나 심지어 부정적인 느낌마저 들 수 있는 조건을 갖고 있는데, 그럼에도 불구하고 풍경에 합일되어 원래 그렇게 존재했던 것처럼 믿게 만드는 어떤 힘을 발산하고 있었다. 지나쳐버리기 쉬운 일상적 재료의 속성을 예리하게 관찰하여 최소한의 스케일로 전체 공간의 분위기를 장악하는 능력은 그가 지닌 특별한 작가적 재능이었음이 분명하다.

이후에도 그는 꾸준히 풍경에 개입하는 일련의 작업을 지속한다. 일상에 접하는 대부분의 풍경들이 의도적으로 미화된 것들뿐이라는 생각을 갖고 있던 그는 어느날 공중파 TV방송의 전후의 애국가 화면에서 전형적인 풍경의 관념적 왜곡을 관조했다. 통상적으로 아름답다고 여겨지는 자연 풍경들을 가공하고 채색하여 일종의 유토피아적 배경으로 만들어 버리고, 그것들을 마치 실제로 체험했던 것처럼 익숙하게 만들어 버리는 이 폭력적인 행위의 결과는 어떤 기준과 관점이 부재한 상태로 아름다운 풍경이라고 의심 없이 믿어 버리는 현상이 그에게 매우 거슬리는 과정이었던 것이다.

그러나 그가 그러한 왜곡에 대해 개입하는 ‘입장’은 분명하지 않다. 그는 부정과 냉소, 혹은 찬성과 동화의 양 극단으로부터 모두 거리를 유지하고 있다. 그가 관심을 갖는 것은 그러한 태도에 대한 결과론적 비판이라기보다, 그러한 것들이 아름답다고 여겨지게 만드는 인식적 상황이다. 일련의 행위에 의한 결과로서의 풍경 보다는 그 풍경을 바라보는 인식과 관점의 문제에 집중한 것이다.

최근 수년간 발표해온 ‘Trifocal Sight' 시리즈들도 이러한 맥락에서 이해할 수 있다. 그가 작품으로 묘사한 인왕산은 서울에 중심에 존재하며, 누구에게나 친숙하게 여겨지는 풍경의 대표적인 사례이다. 그러나 대부분의 사람들에게 인왕산을 실제로 체험하게 되는 기회는 그리 많지 않으며, 일종의 관념으로 존재하는 경우가 많은 풍경이다. 어느날 주변을 지나다 우연히 인왕산의 형태를 관찰하게 된 임선이는 막연한 명칭으로만 인식했던 인왕산을 새롭게 재현하겠다는 생각을 하게 된다. 그는 인왕산의 등고선이 프린트된 지도들을 축적하여 어떤 형태의 틀을 얻은 다음, 선을 따라 커팅하여 정교한 형태의 매스를 얻어낸다. 그리고 그 과정에서 형태를 파내고 남은 공간이 만들어내는 네가티브적 풍경을 발견하게 된다. 실재의 인식과 재현을 위해 기호의 체계로 분석하고 구현한 등고선이라는 소재를 물질감을 갖는 매체로 활용하여 대상의 입체적 구현을 시도한 것이다.

그는 세상의 풍경에 어울리지 않는 모습으로 부자연스럽게 존재하는 사물들에 전부터 관심을 가져왔다고 말한다. 그의 시멘트 선인장은 남들 눈에 크게 거슬리고 있는 것 같지는 않아도, 초록빛을 띠어야 할 본래의 모습을 위장하고 부스러지기 쉬운 건조한 상태로 풍경 속에 조용히 기생하는 것들이다. 패턴이 인쇄된 벽지 위의 자수 작업이나 장판지 위의 펀칭 작업도 비슷한 것들이다. 임선이는 그 거북살스러운 풍경에서 또래보다 늦은 진학 등 동료집단의 주류적 움직임에서 벗어나 혼자만 무언가를 하고 있는 자신의 모습을 발견하곤 했다고 말한다.

앞서 언급했듯 그는 상황에 대한 자신의 감응보다는 환경을 관조하는 시선의 문제에 더 큰 관심을 갖는다. 어쩌면 그가 표현하는 시선은 일종의 착시일수도 있다. 그가 그 착시를 통해 자신을 은폐하고자 하는 것인지, 아니면 반대로 드러내고자 하는 것인지는 분명하지 않을 뿐만 아니라, 명확한 규명이 필요한 것도 아니다. 이 모호함이야말로 임선이의 실체를 구성하는 중요한 요소이다. 기실 세상은 절대적인 법칙에 따라 원래 그렇게 존재하는 것이 아니라 ‘보는 주체’의 시선에 따라서 상대적으로 변하는 것이 아닌가? 이제 관심은 그가 구현하는 대상이 아니라, 그 대상을 구현하는 임선이에게 집중된다. 우리는 임선이라는 사람이 작가로서 살아가는 삶을 통해 구현해내는 자신만의 세계를 접하게 되는 것이다.

확고부동한 원칙과 기준들이 정교하게 들어맞아 예측이 가능한 환경들은 대개 존재하지 않는다. 존재한다는 것은 번민과 방황을 반복하며, 양립불가능한 극점들을 넘나드는 불안한 모습으로 서있는 것이 아닐까? 임선이와의 대화에서 혹시 그가 명확하게 정리된 관점을 확보한 작가로서 작품활동을 지속하는 모습을 일종의 이상향으로 간주하고 있는 것은 아닌지 생각하게 된다. 만일 그렇다면 작업을 지속하는 자신에 대해 너무 준엄한 과제를 부여할 필요는 없을 것 같다. 그의 삶에 존재하는, 비루하게 보이는 모든 것들도 결국 그의 삶에 존재하는 어떤 ‘현상’이며, 크게 보아 그의 작업의 일부로서 있는 그대로 존재하는 것들일테니 말이다. 작가는 그 삶이 직업이다.

월간 space / 2008년 3월호

imsuniy — Fri, 24 Apr 2009 02:14:12 +0900

월간 SPACE NO.484 2008년 03월

FEATURE
20 서울 신청사, ‘디자인 서울’이 선택한 ‘서울의 상징’
22 진정성의 회복 _ 이공희
26 유걸 | 박승홍 | 류춘수 | 조민석

34 COLUMN 세 가지 모델 _ 프랑코 푸리니

RECENT WORK
38 레스토랑 봉에보 + 갤러리 힌지 _ 김광수
46 경주 주택 _ 정진국
52 블루․레드․옐로 스페이스 _ 우치다 시게루
58 M 하우스 _ 케이치 이리에 + 파워 유닛 스튜디오
64 클로이스터 하우스 _ 테즈카 아키텍츠
70 눌 셀렉트 숍 _ 김영옥
74 SPACE EPISODE 거꾸로 하우스 _ 김승택

Special Issue
76 천국보다 낯선
78 테마파크 - 판타스마고리의 공간 혹은 폐허의 공간 _ 김진영
82 대한민국 지자체들 너도나도 테마파크 _ 서충원
88 환상과 건축 사이에서 _ 이일형
96 테마파크 건축의 진정성은 무엇인가? _ 이정학, 김정임, 최문규, 이필훈, 이충기, 문훈
100 파주 유비파크 U-정보센터 _ MA건축
102 인천 로봇랜드 _ 간삼건축
103 천안 복합테마파크타운 _ 해안건축+유선엔지니어링+다물건축

104 ARTIST PRISM 임선이
ART EXHIBITION
108 칸디다 회퍼 _ 한금현
111 정준호 _ 정용도

114 BOOK REVIEW 44 만남: 서경식 김상봉 대담 _ 김미정
115 ARCHTALKTOUR 20세기를 이끈 건축가 19 _ 이소자키 아라타

월간잡지 '까사리빙'

imsuniy — Fri, 24 Apr 2009 02:09:01 +0900

Raw Beauty , 거친 아름다움의 매력

원초적인 자연으로 그리는 거친 아름다움.

>> 눈 덮인 들판을 집 안에 들여놓을 수 있다면? 여유롭게 앉아 있는 아기 사슴들과 금세 눈이라도 마주칠 듯한 평화로운 풍경이다.

나무껍질을 새끼줄처럼 꼬아 만든 사슴 오브제와 산호 오브제는 모두 장식가게 고리 제품으로 가격은 미정이다. 고풍스러운 디자인의 화이트 빈티지 샹들리에는 와츠 제품으로 1백20만원이다.

>> 마른 나뭇가지와 돌멩이는 봄을 기다리는 마음처럼 그리운 풍경을 자아낸다.

코코아 나무껍질을 볼륨 있게 켜켜이 붙여 만든 사각 볼과 벽면에 기대어 놓은 트레이는 장식가게 고리에서 판매한다. 가격미정. 나무를 깎아 만든 색연필 다발은 블룸앤구떼 제품이며 1만3천원. 장난감 인형을 모티프로 삼은 드로잉은 작가 김을의 작품이다.

>> 투명한 유리 볼은 하선데코 제품으로 가격은 미정이다.

사람의 몸만큼 아름답고 자연스러운 모습이 또 있을까. 여인의 몸에 비친 빛과 어둠의 교차를 드라마틱하게 포착한 이 사진은 초현실 사진작가 랠프 깁슨(Ralph Gibson)의 흑백 누드 작품이다. 여인의 실루엣을 닮은 유리 볼이 자연미를 더한다.

>> 나뭇결무늬를 그대로 살려 따뜻하고 편안하게 디자인한 조약돌 모양의 스피커.

가만히 귀 기울이면 잔잔한 강의 물결소리가 번져 나올 듯하다. 이 감성적인 스피커는 제품 디자이너 김선태의 작품. 누드 인형으로 디자인된 테이블 조명은 28만원, 대나무를 형상화한 동양적인 디자인이 돋보이는 스탠딩 조명은 35만원으로 모두 와츠 제품이다.

>> 식물로부터 모티프를 얻은 자연친화적 디자인 작품은 공간에 서정성을 더한다.

선인장의 이미지를 실제보다 더 사실적으로 표현한 ‘셀터-랜드스케이프(Shelter-Landscape)’는 시멘트와 석고를 이용해 만든 것으로, 작가 임선이의 작품이다. 돌가루로 만든 내추럴한 디자인의 화기는 키아샤 제품으로 가격미정.

월간잡지 '행복이 가득한 집'

imsuniy — Fri, 24 Apr 2009 02:03:46 +0900

최고의 촉감은 자연에서 온다
벼이삭을 어루만지는 바람, 맨살로 출렁이는 물결만큼 터치의 욕구와 치유의 효과를 자아내는 촉감은 없을 것이다. 최고의 촉감은 모름지기 자연에서 온다. 오돌토돌한 것과도, 까칠까칠한 것과도 다른 자연의 촉감을 순우리말 ‘가슬가슬’이 그럴듯하게 표현해준다. 만진다는 건 동시에 만져진다는 것과도 통하는데, 이 양면성이 만지는 나와 만져지는 대상을 나누던 경계 감각을 무장해제시킨다. 그 경계가 사라지면서 상대방의 건강한 ‘기’가 내 몸으로 들어오는 것이다. 자연의 촉감을 만진다는 건 바로 자연의 ‘기’를 만지는 것이니 이보다 좋은 웰빙 요법이 없을 것이다.

(왼쪽) 가슬가슬
작가 임선이 씨의 작품 ‘shelter-landscape’. 가시를 제거한 채 시멘트로 재창조한 선인장 작품은 ‘박제된 야생성’이라는 뜻을 담고 있다. 허공과 바닥에 흩뿌려진 흰색 종이 잎사귀는 네덜란드 디자이너 토드 분체의 자연물 패턴 스크린을 줄기 따라 잘라내 연출한 것으로 디스퀘어 갤러리에서 판매.

(오른쪽) 포슬포슬
벤치 위에 놓인 작품은 작가 이지현 씨의 ‘책-뜯다’. 그는 교과서, 성경책, 찬송가, 백과사전, 악보, 오래된 잡지 등 ‘그들만의 역사’를 빼곡히 기록한 책을 한 땀 한 땀 해체하듯 뜯어낸다. ‘뜯음’으로써 생기는 보푸라기 같은 ‘부유하는’ 이미지는 인간의 모습을 닮았단다. 나뭇결이 촉감을 자극하는 벤치는 웰즈에서 판매.나뭇결을 그대로 살리고 구부려 만든 의자는 인엔에서 판매. 펜던트 조명등은 유앤미에서 판매.

가슬가슬, 포슬포슬 - 손끝으로 느끼는 자연의 넉넉함

(왼쪽) 스웨덴 디자이너 모니카 푀스테르의 매트
(오른쪽) 다양한 촉감의 천연 가죽

자연이 주는 가장 큰 매력은 바로 그 여유로움일 것이다. 긴장감 있게 바짝 당겨서 디자인한 선이 아니라 헝클어진 듯, 늘어진 듯, 혹은 자연의 형태 그대로를 담아내어 한눈에도 자연을 느끼게 해주듯 말이다. 거기에 색감을 보태면 더 완벽한 무언가가 된다. 자연은 자연 그대로일 때 가장 아름답고 안정감 있듯이 디자이너들은 자연으로부터 가져온 재료들을 최대한 적게 가공하고 그들이 지닌 고유한 성질에 순종하려 한다. 2008년 우리에게 필요한 디자인은 바로 그런 자연의 기운이다. 넉넉한 자연의 품처럼 넉넉하게 사람을 감싸 안아줄 수 있는 디자인이어도 좋고 자연의 불규칙하고 굴곡 있는 선이 보여주는 디자인이어도 좋다. 묘하게도 이렇게 자연으로부터 온 디자인은 어떤 환경과도 잘 어울리는 재주가 있다. 회색 콘크리트 건물이건 차가운 경량 철골과 유리로 된 건물이건 간에 가슬가슬하고 포슬포슬한 사물만 하나 놓아도 공기가 바뀐다. 나무의 나이테처럼 하나의 선으로 연결되어 흐르는 부드러운 곡선의 의자는 보는 것만으로도 편안함을 느끼게 한다. 그저 나뭇결이 드러나는 것 만으로도 손이 가게 된다.

1 MGX의 식물을 형상화 한 조명
2 작가 이지현 씨의 ‘찬송가-뜯다’
3 피트 헤인 에이크의 나무 의자
4 아스테리아의 조개 껍질 볼
5 비트라의 코르크 스툴
6 도나홈의 털의 질감이 있는 전등갓

2008년 우리가 이야기하는 자연으로부터의 디자인은 이전보다는 좀 더 세부적인 것에 초점을 맞춰 그 사물이 우리의 피부와 접촉했을 때의 느낌을 가리키게 된다. 네덜란드에 피트 헤인 에이크Piet Hein Eek(www.pietheineek.nl)란 디자이너가 있다. 넝마처럼 보이는 자투리 판재들을 모아 짜깁기를 해서 테이블과 의자를 만드는 사람이다. 그의 작품에서는 강한 나무 향이 날 것 같다. 가슬가슬한 테이블은 군데군데 색이 벗겨져 살짝 스크래치가 나도 별로 상관없을 것 같아 사용자를 무장해제시킨다. 자연의 또 다른 매력은 굳이 모양을 만들려 애쓰지 않아도 이미 그 안에 답을 지니고 있다는 것이다. 비와 바람에 의해 오랜 시간 동안 다듬고 또 다듬어진 것이다. 그래서 디자이너들은 자연의 형태를 모방하는 과정에서 아름다움을 배우게 된다. 프랑스에서 활동하는 네덜란드 디자이너 토드 분체Tord Boontje는 식물 모티프를 그대로 자신의 디자인으로 끌어온다. 식물의 그림자를 엮듯이 패턴을 만들고 벽과 바닥을 장식한다. 그 위로는 덩굴처럼 우거진 천 조각이 흩어져 내려오기도 한다. 잔디처럼 보드랍게 돌기가 올라 폭신한 잔디를 딛고 선 것 같은 느낌의 카펫도 있다. 여기, 가슬가슬하고 포슬포슬한 자연의 촉감이 그리운 현대인들의 향수를 자극하는 디자인을 소개한다.

1 예로엔 베르호벤의 ‘신데렐라’ 테이블
2 피트 헤인 에이크의 수납장
3 돌체&가바나 S/S 컬렉션
4 프론트의 톱으로 깎은 의자
5 피트 헤인 에이크의 암체어
6 사이잘삼으로 만든 카펫
7 모마의 나무로 매끄럽게 만든 가방
8 플레이샘의 장난감 자동차

촉감, 몸을 통해 마음을 치유한다
뇌가 한창 성장하는 유아기에 터치 케어 방법을 응용해 키운 아이는 사회성, 인지 능력과 적응 능력이 높아졌다는 보고가 나왔다. 이에 반해 뇌 형성 기간에 만져주거나 어르는 것과 같은 촉감의 자극이 결핍되면 외상 후 장애를 일으키게 되고 애정을 지배하는 신경 조직의 발육이 불완전하게 된다는 것이다. 이처럼 촉감은 가장 기본적이고 정서적인 커뮤니케이션 수단이다. 인간은 꼭 안길 때 자신이 세계로부터 꼭 필요한 존재라는 걸 확인하게 된다. 또 하나, 촉감은 본능을 일깨우기도, 잠자고 있던 영감을 깨우기도 한다. 왕가위의 영화 <에로스>에 나오는 대사 “여자 몸도 모르면서 어떻게 여자 옷을 만들겠어? 앞으로 이 감촉이 영감이 되어줄 거야”처럼 촉감이 당신의 영감이 되어줄 것이다.

보들보들, 말랑말랑, 매끈매끈, 만질만질, 가슬가슬, 포슬포슬, 도돌도돌
스티로폼을 열선으로 깎아 만든 소파는 디자이너 이광호 씨의 작품. 스펀지를 압축해 구깃구깃한 촉감까지 살려낸 암체어는 웰즈에서 판매. 암체어 옆의 투명 스툴은 제인인터내셔날에서 판매. 그 위의 나뭇가지 모양 스탠드는 도나홈에서 판매. 바닥의 에나멜 쿠션은 디스퀘어 갤러리에서 판매. 메탈 소재의 납작한 조명등은 웰즈에서 판매. 테이블은 MDF를 원형으로 재단해 제작한 후 술을 달아 장식한 것. 테이블 위 나무 트레이는 에이후스에서 판매. 나무 스툴은 유앤미에서 판매. 스툴 위의 은색 화기는 태홈에서 판매.

기자/에디터 : 최혜경·김명연 / 사진 : 노병연
디자인 이선정 스타일링 홍희수(디자인 서다) 제품 협조 노먼코펜하겐(02-586-0762), 도나홈(02-541-6095), 디스퀘어 갤러리02-3443-8344), 모마(1588-0360), 세컨호텔(02-542-2229), 아르마니 까사(02-540-3094) 외

[조각의미학] 8. 임선이의 예술세계(경기신문) / 김택기(조각가)

imsuniy — Thu, 16 Apr 2009 01:30:57 +0900

art in culture 2003년 10월호 / 김영호(중앙대 교수)

imsuniy — Sun, 05 Apr 2009 21:36:29 +0900

복제 된 선인장의 알레고리 (art in culture 2003년 10월호)

김영호·중앙대 교수

임선이展 2003. 8.28~9.7 두아트 갤러리

도시에서 선인장은 한 뼘 정도로 제한된 화분의 공간에 뿌리를 내리고 살아가는 식물이다.최소화 된 인공의 영토에 살면서도 단순한 외형과 표면에 가시로 무장해 타자로부터 자신을 보호하는 당돌함이 있다. 오랜 기간 동안 물을 주지 않아도 견디는 신비로운 생명구조를 내부에 지니고 있는 것이 바로 이 미물이다. 어디 그뿐인가. 섬세한 골무늬로 장식 된 표피의 형상은 대자연이 창조해낸 기하학적 추상작품이다. 이렇듯 선인장에는 다양한 의미의 기능성들이 숨어 있다.

임선이가 실행하는 작업 유형은 하나의 선인장을 시멘트 석고로 떠내는 것이다. 그리고 그것을 전시장이라는 축성된 공간과 연대시킴으로써, 작가는 선인장을 둘러싼 일반적 의미들을 새로운 것으로 변화시키는 데 힘을 기울인다. 그가 탐색을 시도하는 세계는 선인장의 존재에 있지 않고 캐스팅된 형상과 그것을 둘러싼 의미를 굴절시키는 것에 있다. 달리 말하자면 그것은 도시에 제한 된 영역 속에서 자신을 보호하며 생명현상을 유지해 나가는 생물의 존재를 의인화된 차원의 것으로 패러디하는 것이다.

이번 개인전에 선보인 임선이의 선인장 복제 작업은 일상적 사물들을 인식의 대상으로서 내세우는 데 일단 성공하고 있다. 현실에서 무심하게 지나치는 미물에 주목케 함으로써 역설적으로 존재하는 것들에 대한 가치와 형상의 문제를 제기하고 있는 것이다. 껍질로 이루어진 선인장의 외형에서 떠오르는 것은 그 원본 즉 생명을 담고있던 선인장의 기억을 넘어서고 있다. 시멘트와 석고의 혼합재료가 주는 물성은 관객들에게 다양한 시각경험을 제공하는 도 하나의 근간이 된다.

지적할 것은 임선이의 작업에서 나타나는 알레고리의 범주가 자신을 둘러싼 삶의 성찰이라는 사실을 드러내는 데 방법적 한계를 보인자는 점이다. 이는 외적형태를 작가의 주체적 세계관으로 연결시키는 접속코드의 부재를 의미한다. 해석의 가능성을 관객에게 일임하겠다는 의도는 좋다. 그러니 일상적 사물의 영토와 의미세계의 영토를 자신의 고유한 세계관으로 연결시키고 대중들과 소통케 하는 보다 적극적인 방식을 연구하는 것이 임선이에게 과제로 남아있다.

2008년 4회개인전 '부조리한 풍경:Trifocal Sight' / 정나영(SOMA큐레이터)

imsuniy — Sun, 05 Apr 2009 21:50:31 +0900

부조리한 풍경:Trifocal Sight

정나영 SOMA 큐레이터

임선이는 자연과 인공(문명)의 상태. 보이는 것, 그 사이에서 끊임없이 정체성의 혼란과 심리적인 갈등을 겪는 현대인의 삶을 이야기한다.’은신처’, ‘갇힌-섬’등으로 명명된 작업에서 작가는 자연에서 따온 서재와 인공의 느낌이 강한 재료를 결합시켜 만든 오브제를 도시 속 공간에서 던져놓음으로써 낯설고 불안한 풍경을 연출한다. 이러한 작업은 고립과 단절이라는 현대인의 절박한 상황을 연상시킴으로써 보는 이로 하여금 그와 같은 심리 상태를 이끌어내는 효과를 얻게된다. 정서적 동질감의 인식에서부터 작품을 통한 소통은 이루어진다. 더 나아가 작가는 집중력을 요하는 정신적 노동과 동시에 기계적으로 반복되는 노동의 고단함을 수반하는 작업과정 속에서 정체성 찾기와 갈등 해결의 방법을 제시한다. 임선이는 이러한 작업의 연장선상에서 ‘부조리한 여행’을 조심스레 꺼내어 놓는다.

여행지는 인왕산이다. ‘왜 인왕산인가?’ 인왕산은 서울 한가운데 위치한 상징적인 산이며, 도시와 공존하는 자연이다. 일단 임선이의 작업 소재로서 적당한 조건을 갖추었다고 할 수 있지만, 사실선택의 이유는 이러하다 그림책에서, 그리고 텔레비전에서 습득한 인왕산에 대한 이미지가 항상 지나치던 거리에서 무심코 바라본 산의 실재에 입혀진 인왕산으로 인지되었을 때의 놀라움! 그 강렬했던 인상에서부터 작가의 인왕산 여행은 시작된다. 그런데 여행방법이 꽤 독특하다. 먼저 산의 형태를 축적된 지도를 이어 붙여만든 지형도를 통해 탐색한다. 여행 전 지도를 보며 여행지의 정보를 파악하는 순서와 같다고 할까. 그 다음, 여행의 행로는 발로 뛰는 노력 대신 종이 오리기와 쌓기라는 행위를 통해 수행된다. 또한 여행의 기록은 사진 찍기를 통해 새로운 양상으로 탈바꿈한다. 여행자의 피곤함은 충혈된 눈으로 인해 지도 위에 붉은 선으로 표시된다. 이 모든 것이 여행을 은유적인 방법으로 표현하고 있다. 인생을 여행에 비유할때 얻을 수 있는 의미 전달의 효과만큼이나 그의 은유적인 방식은 묘한 설득력을 지닌다.

‘부조리한 여행’ 작업을 좀 더 유심히 관찰해 보자. “지형도의 축적을 통한 수리적 지리탐사 작업”을 거친 후 분격적인 여행(노동)이 시작된다. 지형도의 등고선을 따라 오려나가면 구멍 뚫린 큰 사각형 종이 한장과 구멍 모양의 종이 한장으로 분리된다, 수천장의 지형도를 같은 방법으로 잘라낸 후, 각각을 중심에 맞춰 쌓으면 요철(처럼 서로 분이 된 두가지 입체를 완성한다. 즉, 하나는 산의 모형, 또 다른 하나는 산의 모양이 빠진(부재된)모양 그대로 전복된 협곡을 품고 있는 사각 종이더미가 된다. <붉은 눈으로 본 산수>라 이름 지어진 이 작품의 종이층 사이사이를 따라 시선을 옮겨본다, 무채색 또는 단색조의 오브제는 보는 행위에 자체에 집중하게끔 만든다. 그리고 미세한 돌기조차 감지해 내도록 시각을 예민하게 자극한다. 시선에 대한 탐구는 사진작업으로 거듭된다.

‘부조리한 여행’ 마지막 단계에서 남겨진 것은 사진작업을 통해 한층 더 왜곡된 ‘부조리한 여행’이다<3초점의 시선(풍경)>이란 제목의 작품에서는 인공적으로 눈의 기능을 교정하는 안경처럼 근.중.원경이 동시에 포착된다. 3초점의 시선 처리는 매우 어색하고 평면적인 느낌을 주데, 작가는 인공적인 조명을 사용하는 극명한 명암 대비를 부여함으로써 전체를 채우고 실제보다 확대된 크기로 출력한다. 즉, 인공적 장치에 의해 거리감은 최소화되고 깊이감은 증폭되며 규모는 배가 되어 극적인 효과를 얻게 된다. 이로써 현대도시의 산수풍경은 전혀 새로운 이미지의 풍경으로 환원된다.

요컨대, 임선이의 작업은 3차원(실제의 산)에서 2차원(지형도)으로, 다시 3차원(산의 모형, 협곡 모형)에서 2차원(풍경사진)으로 거듭되는 지각의 변화를 통해 인식의 여과작용을 일으킨다. 결과적으로 그의 작업은 진행할수록 실재에서 멀어지고, 특수성은 희박해진다. 대신 작품을 대하고 있는 누구에게든 자신이 가보지 못한 미지의 세계를 펼쳐주는 열린 풍경이 된다, 보는 것과 보이는 것, 그 차이를 인정하고 허용함으로써 다양한 해석의 가능성을 열어두는 것, 그것이 바로 ‘부조리한 여행’을 통해 작가가 외부와 송통하는 방법이다. 이처럼 임선이의 작업은 끊임없이 시각적 혼돈을 통해 인식의 변화를 야기하며 현대의 풍경을 규정짓는다. “흔들리는 눈에 의한 보기의 드로잉”이라 함은 현대인의 불확실하고 변적인 시선으로 바라본 현대사회의 양상을 자연풍경에 기대어 은유적으로 표현하는 임선이의 독특한 창작방식이다. 도시 속 무수히 존재하는 자연적 소재 가운데 어떤 것이 임선이의 시선에 붙들려 인식의 범주로 넘어올지, 그래서 이 다음엔 어떤 풍경이 눈앞에 펼쳐질지 자못 궁금해진다.

2007년 3회개인전 '부조리한 여행' 전시서문 / 김은정(관훈갤러리 디렉터)

imsuniy — Sun, 05 Apr 2009 21:43:18 +0900

부조리한 여행

김 은 정 (예술경영/아트컨설턴트)

작가 임선이는 "부조리한 여행" 시리즈 주제를 가지고 3번째 개인전을 연다. 최근 2006년- 2007년 5기 국립 창동 스튜디오 입주작가로 선정되었으며, 2006년 송은 문화재단 초대기획전, 2006 "SELECTED EMERGING ARTISTS" 서울시립미술관 기획전등 다년간 주요 미술관 초대 기획전 참여를 통해 역량 있고 주목할 작가로 활발히 활동 해오고 있다.

작가 임선이 작품에선 작가만의 특이한 색깔을 느낄 수 있다. 화려하지도 세련되지도 않지만 익숙함과 편안함을 느끼는 바로 그녀를 닮은듯하다. 자연을 택한 소재, 무색, 질리지 않는 반복성, 하지만 섬세함, 바로 그 모든 조건이 그녀의 작품에 묻어 있기 때문이다. 극도로 절제되고, 그녀의 내면 깊은 곳의 심리적 갈등을 순화하여 표출하고 있다. 섬처럼 혼자 망망대해에 떠있듯이, 정체성 찾기와 심리적 갈등이 간헐적으로 드러나고, 이러한 상황을 작품을 통해 타인과 소통하는 듯하다. 그녀의 이전 연작들에서는 섬(Island)의 지형적 조건이 가지는 고립성과 특수성을 빠르게 변화하는 현대사회에서 살아가는 도시인들의 고달픈 삶의 무거운 억눌림, 정체성의 부제, 그로부터 생겨난 내면의 갈등을 은유적으로 표현하고 있다. "Shelter" 표제로 첫 번째 개인전(do Art Gallery, 서울)에선 가변적 외부환경에 대한 바라보는 관점, 변화하는 인식의 차이, 시각의 다변화를 작가 임선이가 바라보는 현대 도시문명에 살아가는 도시인의 모습을 투영하여 대변해 내고 있다. 이러한 개인적 차원에서의 해석과 새로운 표현 방식의 모티브로 사용된 선인장은 푸른 색을 잃은 거칠고 무체색인 시멘트로 떠내어 또 다른 생명체처럼 바닥에 늘어놓아진다. 이것은 바로 작가가 바라보는 현실에 대한 관조적인 자세를 은유적이고도 감정적 의미로 접근해 가고자 한다. 그것이 바로 자아를 찾아가는 길며 스스로를 인식하는 과정일 것이다. 그녀는 집약된 노동과 기계적 반복작업을 통한 심리적 갈등의 이완과 디테일(detailed)하게 캐스팅(casting) 하는 과정에서 생기는 집중력을 바로 자신 앞에 놓인 수 없는 갈등의 문제를 풀어가는 방식으로 택하고 있다.

이번 개인전은 현재까지 그녀가 탐구해오던 문제들을 좀 더 함축적이고, 문제 접근방식의 깊이와 넓이를 더하고 있다. 보이는 것과 바라보는 것. 여행은 늘 새로운 기다림과 설렘을 준다. 새로운 주변 공간의 이질적이고 낯선 것들을 모두 포용하고 자연을 통해 작가의 인식을 반영하는 섬세한 형식으로 여행이란 텍스트를 취한다. 인식의 과정에서 형성되는 감정적 반응이 좋은지 그렇지 않았는지에 따라 여행의 성공의 여부가 결정된다. 이번 전시에서 고정관념으로 각인된 환경과 그 환경을 보고자 하는 관점의 해석 차이에서 발생하는 갈등을 '소통' 이란 가능성으로 작업에 적극적으로 담아낸다. 관념, 특히 사고의 구조적 차이에 대한 질문을 던지고, 그 경계 지점을 새로운 시각으로 환기시키는 작업을 시도하고 있다.

"부조리 하다"는 사전적 의미로의 일차적 이해뿐만 아니라 단어가 내포하는 이면의 상징성을 작가 임선이는 이야기 한다. 작가의 이러한 시각적이고 상징적인 메시지를 생명의 요람이며 자연물의 집합지라고 할 수 있는 '산 풍경' 소재를 통해 보여준다. 산은 보여지는 것과 보여지지 않는 것, 인간의 손길이 닿은 곳과 그러지 않은 원시림 상태, 이 두 가지 대립적 현상이 공존하는 곳이다. 또한 계절에 따라 수목의 색깔이 변화하며, 그 시간에 생존하는 생명체가 달라지는 가변적 풍경이다. 작가는 그 같은 풍경, 그리고 그런 풍경과 함께 하는 우리들 삶에 대한 정찰과 인식의 변화를 서정적으로 작업 안에 깊이 담아낸다.

<붉은 눈으로 바라본 산수>는 붉은 색으로 인쇄된 '인왕산' 지형도를 수천 장을 하나의 큰 사각 덩어리로 쌓아 올린다. 지형도의 등고선을 오려내는 리 모델링은 새로운 하나의 복합적 풍경을 작품 안에 생성해낸다. '인왕산'은 우리 주변에서 가까이 접할 수 있는 주변 환경 중에 하나로 접근의 용이성과 멀리서 바라보는 하나의 관망적 성격을 가진 이중적 연결 고리로 선택한다. 붉은 색은 작가가 바라보는 눈을 대변한다. 붉은 색으로 변한 충렬 된 눈은 보는 시각과 받아들임의 관점의 차이에서 생겨난 소통의 지침이다. <올라 보다> 에서 산의 구조적 형태를 한눈에 내려다 보게 하거나, 조명에 의해 <붉은 눈으로 바라본 산수>의 집적된 등고선 음영을 보이는 시점에 따라 극대화시킨다. 그것은 전시공간 안에 또 다른 공간이 생성되는 두 가지의 내러티브를 연출하기 위해서다. 멀리서 관망하거나 가까이 다가섬의 반복을 통한 시각의 변화, 그러한 과정에서 얻어지는 무한한 상상력으로 관람자로 하여금 적극적인 공간 체험에 집중시킨다. <붉은 눈으로 본 산수> 작품 시리즈 중, 특정부분을 클로업한 람다 프린트 사진작업은 마치 깊은 협곡 어딘가를 여행하는 듯한 착각에 빠진다. 관람자는 벽에 걸린 이 사진을 보며 자연스럽게 바닥에 설치된 작품에 주목하게 된다. 하지만 작가는 그 두 작품의 연관성을 배제한다. 다소 냉정하리만큼 절제된 형식적 구성과 함께 사고의 연상 작용은 절묘히 유감없이 이루어진다. 등고선의 겹쳐짐의 좁고 넓음에 따라 이루어지는 굴곡의 변화는 끝과 시작을 알 수 없는 또 다른 시각적 흥미를 불러일으킨다. 사진의 그 것은 관람자 스스로 상상하는, 그 무엇의 다른 풍경이 되어도 좋다.

작가는 우리에게 익숙한 곳이든, 가보지 않은 곳이지만 자연스럽게 각인된 풍경이 아닌 관람자로 하여금 마치 가상 현실(virtual reality) - 눈에 보여지나 실제로 존재하지 않는 을 상상하도록 노출시킨다. 이러한 과정을 통해 실제 풍경의 존재성과 인공적으로 만들어낸 상상의 풍경이 오버랩 되는, 보여짐에 따라 바라봄의 다변적 접근해석 방법의 가능성을 열어놓고 있다. 바로 작가가 우리에게 제시하고 스스로 바라보고 소통을 하게 만드는 실험적 태도다. 작가 임선이 작품이 단순하고 절제된 서술이나 상징적 의미 제시만이 아니라, 다양한 인식의 차이로 작품을 바라보게 하는 것이 바로 그녀가 원하는 여행을 '산 풍경' 의 다변성을 통해 이루어내는 이유다.

2006년 중앙미술대전 '한평의 黑海 ' 작가노트

imsuniy — Sun, 05 Apr 2009 21:41:37 +0900

「한평의 黑海」

한평이란 공간은 삶을 지탱하는 나의 대지이다.

한평의 대지에 사는 사람은 산과 바다를 꿈꾸며 늘어진 시선으로 초점 잃은 망각의 주시를 꾀한다.

기대했던 모든 기다림은 혼재되어 한평의 틀 속에 갇힌 체 안위하며 꿈꾼다.

새벽을 기다리고 밤이 되길 기다리며 어슴푸레한 적막 속으로 나의 시선을 밀어 넣는다.

도시를 사는 나는, 한평 안의 대지에서 세상의 풍경을 맞이한다.

풍경은 미화되어 화면 속에 갇힌 체 동경의 시선을 갖는다.

가보지 못한, 그러나 너무 익숙한 곳....

이번 작업은 도시를 깨우는 새벽녘 TV의 첫울림 속에서 드러나는 섬을 품은 바다의 풍경을 소재로 하고 있다.

옛것의 풍경이 자연 그대로의 진정성과 위대함의 진실을 담은 정신의 세계였다면 도시에서의 풍경은 매체를 통해 의식할 수 없는 사이에 미화 되고 각인되는 화려한 이미지의 색채와 픽셀일 뿐이다.

그것은 가보지 못한 곳이기도 하나 우리에게 너무 익숙한 곳이기에 의식하지 못한다.

나는 1차적으로 지형도의 축척을 통해 수리적 지리 탐사 작업을 끝내고(지형도를 축적하여 모델링 작업 - 이것은 마치 중,고등학교 지리시간의 지리부도를 보면서 이곳,저곳을 탐색하던 작업과도 같이) 이번에는 검은 산수를 만들었다.

한평의 검은 바다와 검은 섬...

평면의 화려하고 담백한 먹의 농담이 그것을 스스럼없이 광활하고 유려하게 그렸다면 한평의 黑海는 매체가 가지는 화려함의 색채를 거세하고 단지 층위적으로 픽셀화 시켰다.

단위적으로 환산된 섬은 껍질뿐인 모사꾼의 내뱉는 혀의 여러 낱말과도 같다.

그것은 바라보는 시점에서의 1인칭의 몸과 같으며, 몸이 갖는 현상과도 같은 도시 속 사람들의 지나는 행로와도 같은 풍경이다.

2005년 2회 개인전 '갇힌-섬' 작가노트

imsuniy — Sun, 05 Apr 2009 21:37:50 +0900

갇힌-섬

복잡하고 화려한 현대의 도시 속에서 우리는 적막함과 고요함을 느낀다. 그것은 소리의 부재도,움직임의 부재도 아닌 닫힘과 은폐의 저 바닷속 아득함의 지점에서의 불균형한 움직임과도 같다.

소리를 내질러도, 허우적 거리는 손짓도 아득한 해저의 물 흐름이 그것을 가로 막듯이 우리에게 자의적인 닫침과 은폐는 가슴에 섬을 짓게 한다. 이렇듯 섬이 가지고 있는 어휘적 힘에는 닫힘과 부재, 은폐의 의미가 담겨져 있다. 바닷속 어느 수평지점에 자리잡고 다가올 수도 다가서지도 못하는 섬들의 모습들은 도시 속 현대인들의 모습과 닮아 있다.

그것은 도시를 깨우는 새벽녘 TV 의 첫울림 속에서 드러나는 섬의 풍경에서도 찾을 수 있다. 애국가 첫 소절과 맞물려 흘러나오는 수려한 섬들과 바다의 풍경은 우리 스스로의 자화상이다.

해돋이의 붉은 빛과 수려한 섬과 바다의 이미지는 극적으로 미화되어 우리의 풍경으로 다가온다.

그것은 TV밖의 도시를 향해 기지개를 펴는 허울에 갇힌 우리의 모습과 흡사하다. 도시의 새벽을 여는, TV의 불빛은 작은 방의 공간에서 서로를 응시하며, 섬은 우리의 모습이 되고 풍경이 된다.

현대인들은 도시라는 바다에서 섬의 모습을 하고 올곧이 적막하게 지점하고 있는 것이다. 고요한 바다의 적막함과 그 깊이를 간음할 수 없는 곳에 위치하며 섬의 모습들을 하고 부유하고 있는 것이다.

본 전시의 표제인 ‘갇힌-섬’은 이러한 현대 도시인들의 모습을 섬을 통해 그 단상을 드러내려 하고, 그것은 서로에게 타의적인 영향력 행사하며 서로의 섬을 유지시키는 하나의 도시 시스템에 대한 현상의 발췌이다.

- 작가노트 -

2004년 2인전 머문풍경 & 머물풍경 전시서문 / 문정언(박물관.미술관학)

imsuniy — Sun, 05 Apr 2009 21:36:30 +0900

머문풍경 & 머물풍경

문정언 (박물관.미술관학)

매일 아침에 거울 속 익숙한 자신을 마주하게 되며, 어제와 같은 거리를 무심코 지나친다. 오늘이 어제처럼 반복되고, 거울과 나는 30여년의 시간을 같은 서로를 마주 하고 있다.

누구나 한번쯤은 순간적으로 지금과 같은 상황이 예전을 반복하는 듯한 묘한 느낌을 경험했을 것이다. 시간의 끝 부분이 서로 맞물려 되풀이되고 있는 듯한 경험 말이다. 그럴 때면 의례 어렴풋한 기억 속에서 애써 줄거리를 찾으려 하며 다음에 어떤 상황이 올 것인지 하는 재미있는 호기심을 발동시키게 된다.

작가 김연희와 임선이는 그들이 속해 있는 익숙한 풍경 속에서 평범한 사물을 의식적으로 선택하여 그것을 반복적으로 재생산 해내는 작업을 한다. 그 역시 사물이 반복적으로 재생산되는 과정에서 생기는 저마다 새로운 상황들의 만남을 즐겁게 경험하고자 하는 것이 아닌가 한다.

작가의 재료나 소재처럼 조심스러운 이미지를 지닌 김연희는 지극히 자연적인 요소들을 모아 주변 풍경을 그려 나간다. 그녀는 닥종이와 송진 등을 사용하여 물고기를 떠내는 작업을 반복하면서 자신을 뭍의 고기로 인식하여 스스로가 존재하고 있는 현재 공간을 '뭍의 세계'로, 재탄생된 물고기의 삶의 터전을 '물의 세계'라고 명명(命名)한다. 그리고 '뭍의 세계'와 '물의 세계'라는 이분법적인 풍경 속에서 반복적으로 재생산된 물고기를 자신과 구분시키고 동등한 존재 위치를 부여한다. 이러한 작가의 반복적인 재생산과 일련의 모든 행위들은 그녀 자신이자, 본래의 물고기가 아닌 새로운 생명의 물고기로 변해 가는 과정을 의미한다. 이는 하나의 새로운 물고기를 재탄생시키기 위해 속을 채우고 구워내는 과정 속에서 자연스럽게 생기게 된 물고기와 시선 교차로 인한 물아일체(物我一體)로도 볼 수 있을 것이다. 즉, 작가와 함께 동등하게 재탄생된 물고기는 각자의 영역인 '뭍'과 '물'의 세계에서 각기 다른 모습으로, 때론 같은 모습으로 서로의 경계를 자유롭게 넘나들며 새로운 경험을 하게 된다. 그녀가 물고기가 되고, 물고기가 그녀가 되는 그리고 물고기가 하나씩 완성되어 작가의 손을 떠나 다시 우리의 익숙한 풍경 속으로 들어 왔을 때 타자의 보는 행위를 통해 타자 역시 작가와 같은 물아일체의 경험을 반복하게 된다.

자연적이고 연약한 재료나 소재를 다루는 김연희와 달리 지극히 도심적이고 강한 재료나 소재 탓인지 직설적이고 예리한 느낌마저 들게 하는 임선이는 시멘트를 통해 새로운 생명을 재창조하고자 한다. 수많은 집을 만들고 도시를 세워 인간에게 울타리를 제공 해 주는 시멘트의 역할처럼 주변에서 무의식적으로 스치고 지나쳐 버릴 평범한 사물을 의식적으로 선택하고 그것을 재창조함으로써 본래의 그 무의미 할 수 있는 평범한 사물에 새로운 의미를 부여하고 보호하고자 하는 것이다.

임선이의 작업에서는 살아 있는 선인장을 석고로 본 떠 미리 만들어 놓은 선인장 틀을 이용하여 반복으로 재생산된 선인장을 볼 수 있다. 이렇게 작가의 손을 통해 다양한 과정을 겪어 재창조된 선인장은 얼핏 우리가 지금까지 속한 자연의 풍경 속에서와 똑같은 선인장의 모습으로 다가온다. 하지만 본래의 선인장을 본뜨고 제작하는 작업의 과정에서 선인장의 생명이라고 할 수 있는 가시가 제거 된 채 완성되어 나온 재창조된 선인장은 더 이상 본래의 선인장이 아니다. 이는 현대 문명의 산물로서 재창조된 전혀 새로운 존재이며, 매번 저마다 다른 모습, 자아로 다시 태어나는 것을 의미하고 있는 것이다. 또한 작가는 이렇게 재창조된 수많은 선인장들을 시선을 낮게 두는 배치 방식을 사용하여 거대한 도심의 익명 속으로 사라져 버리는 자신을 대변하는 역할까지 수행하게 한다.

김연희와 임선이는 존재의 이미지가 퇴색되어 가버리는 주변의 사물들을 의식적으로 선택하여 반복적인 재생산이라는 방법을 통해 그들에게 자아를 부여하기도 하고 자신과 대체시키기도 하면서 나의 풍경과 그녀들의 풍경, 그리고 타자의 풍경 사이에 영원히 머물게 하고 풍경들의 경계를 조금이나마 허물어 가고 있다.

2003년 1회 개인전 'shelter' 전시서문 / 이은주(미술사)

imsuniy — Sun, 05 Apr 2009 21:35:06 +0900

박제된 야생성 - 도시의 ‘Shelter’

이은주 (미술사)

작업실에 들어가니 맨 먼저 시멘트로 된 선인장들이 눈에 들어온다. 한창 싱싱하게 자라던 선인장의 형태 그대로가 흑백사진의 한 장면처럼 정지된 채 서있다. 마치 화석화된 식물원의 표본처럼 보이기도 한다. 관상용 선인장 화분, 꽃무늬 벽지, 병풍 위에 수놓아진 나비. 임선이의 작업에 등장하는 이러한 모티프들은 모두 획일화된 도시적 일상에서 흔히 발견할 수 있는 이미지이다. 너무나 익숙하게 접할 수 있기에 특별히 문제의식을 가져볼 필요조차 없던 소재들이기도 하다. 그러나 응고된 회색 선인장이 풍기는 인상은 조금도 ‘일상적’이지 않다. 거기에는 오히려 일상의 무덤덤한 컨텍스트를 전도시키는 강한 단절의 효과가 있다.

임선이는 ‘숨은 그림 찾기’라는 이전의 연작들에서 우리의 시각에 너무도 익숙해져있는 도시문명의 풍경들, 예를 들어 시멘트 벽면 위의 전기선, 도시가스 파이프나 여성잡지 표지와 같은 장면들에 슬쩍 자신이 만든 이미지를 끼어넣어 눈에 띠지 않게 변형시키는 작업들을 보여주었다. 이처럼 그녀의 작업은 언듯 보기에 매우 일상적이고 평범한 듯 하지만 일상의 단절을 유도하는 차단제가 미묘하게 삽입됨으로써, 익숙한 시각적 환경 위에 일종의 쉼표를 찍는 방식을 취한다. ‘Shelter’라는 주제로 펼쳐진 이번 전시의 작품들 역시 관람자로 하여금 흔히 볼 수 있는 일상적 환경들을 사용하여, 그 안에 숨겨진 의미를 들여다보고 해독하도록 이끌고 있다.

‘Shelter’는 외계로부터 보호된 안식처로 여겨지는 일상적이고 사적인 공간을 의미한다. 작품의 모티프로 등장하는 ‘세한도’는 외부와 격리된 개인적 공간에 대한 상징이다. 본래의 세한도에 담겨있는 내적 성찰로서의 고독과 자존적인 자아상의 의미는 싸구려 꽃무늬 벽지나 나비가 수놓인 병풍, 시멘트 선인장의 컨텍스트 속에서 사회문화적인 ‘고립’의 메타포로 변환되었다. 이 작품들에서 임선이가 이야기하고 있는 ‘고립’은 외부의 힘으로부터 스스로를 보호하기 위한 장치이자, 그것으로부터의 단절이라는 이중적 의미를 내포하고 있다. 작가는 특별히 자연으로부터의 고립이라는 설정을 통해서 도시인의 사적 공간의 정체성에 대해 이야기한다.

아담의 가죽옷에서 현대의 아파트촌에 이르기까지, 문명의 도구들은 모두 예측불가능한 자연의 위협으로부터 인간 스스로를 보호하기 위하여 발전되어 왔다. 네개의 콘크리트 벽으로 구축된 우리의 거주지는 외부의 침입을 막는 단단한 ‘쉼터’인 동시에, 자연의 야생성을 거세시킨 지극히 인공적인 공간이다. 도시인들은 이 안식처 안에서 보호받고 있지만, 자연의 에너지로부터 스스로를 격리시킴으로써 인간 본연의 자연적 조건들에서 멀어진 채 점점 더 인위적인 성벽을 쌓아간다. 자연의 폭력성에 대한 심리적 공포와 자연적 삶에 대한 회귀본능의 중간지대에서, 도시인들은 야생성으로 충만한 자연환경 대신에 박제되고 코드화된 가짜 자연물들로 실내 공간을 채워가고 있는 것이다. 임선이의 작업은 꽃무늬 벽지를 바르고 애완동물과 관상용 화분을 키우며 살충제를 뿌려대는 현대적 삶의 이와 같은 근본적 딜레마를 상기시켜준다.

자연과 인공물 사이의 애매한 경계선 위에서 애써 유지하고 있는 우리들의 불안스런 균형에 대해서, 임선이는 찬성도 비판도 하지 않는다. 다만 그 미묘한 균형상태를 제시하고 있을 뿐이다. 침핀으로 뚫려진 ‘세한도’의 형상이나 디지탈 셀처럼 오려진 동양화의 도상에는 인공화된 자연의 이미지와 외부공간을 향한 최소한의 개방성, 그리고 내부 공간을 향한 은밀한 시선이 교차되어 있다. 임선이의 작업 위에 설정된 외부와 내부, 자연과 인간 사이의 경계선은 현대인의 실존적 상황을 함축한다. 그녀는 모든 것이 인공화된 환경 속에서도 적자생존의 자연법칙을 따라 힘겹게 자기공간을 확보해나가고 있는 역설적인 우리의 모습이야말로 시멘트 선인장과 같이 인공화된 자연물일지 모른다고 말하는 듯하다. 그러나 그 어조에는 냉소적이지 않은, 일종의 애정어린 연민이 담겨져 있다. 노화와 부패를 거부하고 생성만을 취하려는 현대문명의 위생학이 실상 인간 자신의 나약함의 표현임을 그녀도 알고있음에 틀림없다.